Gainsbourg: Vie Héroïque

“La laideur a ceci de supérieur à la beauté qu´elle ne disparît pas avec le temps.”(La fealdad es superior a la belleza: dura más) Esta es una de las frases que perduran en la compilación De Gainsbourg à Gainsbarre compilación de éxitos del gran canta autor francés Serge Gainsbourg. La carencia de belleza es característica de este poeta, pintor, fotógrafo, director y mujeriego francés el cual revoluciono la música gala en el siglo XX, la cual es bien homenajeada por el director y guionista Joann Sfar en el largometraje del 2010: Gainsoburg: Vie héroïque.

La historia nos cuenta la biografía de un hijo de padres rusos judíos viviendo en una Francia en plena ocupación alemana. Nacido como Lucien Gainsbourg, Serge desde pequeño mostró talento tanto en la pintura como en la música y su pasión por las mujeres. Desde chico se muestra como un hombre deshinibido y seguro de si mismo. Su pasión y habilidad con las mujeres es conocida, en la película sobresalen dos mujeres de las muchas con las que intimo: Briggitte Bardot, la diva de la nueva ola de cine francés de los sesentas y Jane Birkin, actriz y cantante que inició su vida artística como musa del mismo Gainsbourg. Como en su vida, en este largometraje las mujeres juegan un rol importante, siempre hay una figura femenina aunque no sea la misma. Gainsbourg es conocido por esa infame aparición en televisión francesa en la cual descaradamente le dijo a una joven Whitney Houston en un inglés muy afrancesado: “I Want To Fuck You…”

Aparte de las mujeres, sus excesos, la pintura y su autodestrucción lo que es parte vital de Gainsbourg es la música. Este revoluciono la música popular de su país y la reinvento. En un principio su padre una persona más ortodoxa lo incursionaba a tocar música clasica en piano, el se inclino por la chanson française. En comienzos se ganaba la vida tocando el piano en bares, pero progresivamente empezó a escribir sus propias canciones. En un momento de la película trata de tocar la guitarra como el celebre guitarrista francés Django Reinhard, pero su voz le quema el estudio y todas sus pinturas para que se enfoque en su propia música.

Gainsbourg hace su carrera al comienzo con música popular en ese tiempo la denominada canción francesa. Un género con mucha más influencia del jazz y ritmos más lentos. La historia que nos cuenta Sfar, no se centra en la fama de Gainsbourg, sino en su figura como ser humano, sus mujeres y por su puesto su música. La música sigue el camino de la canción francesa, después un poco de psicodelia que fue muy representativa en los sesenta; más tarde un gran acercamiento con el reggae grabando en Jamaica con las mismas coristas que dieron vida a “Three Little Birds” del mismo Bob Marley.

El escape de Gainsbourg a Jamaica tuvo como resultado un álbum de reggae afrancesado: “Aux Armes Et Caetera”. Siguiendo una vida de escándalos en este álbum Serge decide hacer su versión de “La Marseillaise”, por lo que esto le trajo amenazas de muerte de parte de conservadores franceses de derecha.

El tema de escándalo o inspiración en las letras de Gainsbourg es el sexo, más especificamente la relaciones que el tenía con su pareja sentimental de turno. La más famosa de sus composiciones «Je t’aime… moi non plus», que en la pantalla se ve como empieza a componer este tema primero con Brigitte Bardot, para terminarlo con Jane Birkin. La polémica del tema es que un representación sonora muy vivida del acto sexual, con una voz muy sugerente de Gainsbourg más los orgasmo que se escuchan de voz de Birkin.

El uso sexual explícito en su música se de gran manera en el  álbum Historie de Melody Nelson el cual es un álbum conceptual sobre el enamoramiento en Gainsbourg y la lolita Melody Nelson. En este tiene un acercamiento al rock progresivo, y es uno de sus albumes más aclamados por la crítica.

Serge Gainsbourg se caracterizó toda su vida por su cinismo, al grado que llegó a cantar con su hija de doce años Charlotte el tema “Lemon Incest”. La cual fue simplemente presentada para crear controversia, un juego de palabras entre inglés y francés: “Un ceste de zitron” ( a lemon zest) y “Inceste de citron” (lemon incest).

Gainsbourg un músico completo el cual a través de la controversia le adiciono mucho cuerpo a la música francesa del siglo XX.

Our revolution won’t be mediatized…

 

You can try to avoid us but it’s pointless

You can never avoid the voices of the voiceless 

(Inmortal technique “voice of the voiceless) 

A finales de los sesenta Estados Unidos estaba inmerso en un oscuro periodo post guerra, se venía otro conflicto: la segregación racial llegó a un punto de quiebre. En este tiempo todos los blancos separaban a los afroamericanos en todos los ámbitos desde en que bebederos podían tomar agua, en que parte del autobús sentarse hasta las escuelas y zonas de vivienda. Los afroamericanos llegaron a un punto de no retorno, con personajes como Rosa Parks; ella se negó a entregar su asiento a un blanco, cuando este lo solicito.

Este pequeño acto de desobediencia civil llevó al boycot de autobuses de Montgomery el cual fue parte de la lucha de derechos civiles de los afroamericanos. Esto es una parte del gran movimiento que se suscito. Desde el comienzo los medios masivos de comunicación informan lo que conviene a los intereses de los dueños de estos medios o  a las personas en el poder,y la gente en el poder eran caucácicos. Los afroamericanos no disponían de la misma voz en los medios ellos tuvieron que hacerse de sus propios medios.

The revolution will not be right back after a message about a white tornado, white lightning, or white people.

(The revolution will not be televised – Gil Scot Heron ) 

Gil Scott Heron (1949-2011) poeta, músico, activista y canta autor oriundo de Chicago se convirtió en las décadas de los sesentas y setentas en the voice of the voiceless.

Scott-Heron empezó su carrera como escritor, este no entro de lleno a grabar música hasta mediados de los setentas. Se recibió como maestro en escritura creativa en la Universidad John Hopkins. Su faceta creativa inició con la publicación del libro The Vulture en 1970. Después se reunión con su amigo y futuro colaborador Brian Jackson para crear un tipo de proto rap. Un género que muchos expertos afirman  antecedió al rap y hip-hop, por lo que la mayor parte de sus vida Scott-Heron fue denominado como the godfather of rap (el padrino del rap), un nombramiento que nunca acogió completamente.

La mancuerna con Jackson fue fructífera, ahondando en géneros como el blues, jazz, funk y sobretodo soul, siempre líricamente bien sazonados. Uno de sus primeros álbumes es Pieces of a Man (1971) en el cual se encuentra la composición clave en la carrera de Scott -Heron: “The Revolution Will Not Be Televised”. En esta se toca el tema de la todo poderosa televisión; desde su comienzo en los cincuentas este ha sido un medio muy poderoso en una sociedad que se estructura en medios visuales principalmente. Scott- Heron habla de como ninguna parte de la revolución que se avecina, de la cual el es parte, no se anunciara en la televisión como todo se anuncia para la raza caucásica. Se mofa de que los modelos a seguir del pueblo blanco estadounidense tienen que estar televisados, sino estos carecen de validez. Esta pieza es fundamental para su carrera, pero no es la totalidad.

Con esta canción se consagró más como the voice of the voiceless o the newsgiver. Como se mencionaba anteriormente, los afroamericanos no tenían espacios mediatizados o públicos para ejercer su opinión o compartir sus ideales. Solo artistas como Scott-Heron tenían que levantarse para hacer públicas las quejas y manifiestos de un pueblo.

Scott-Heron canalizó sus letras a otros temas aparte la de la política de izquierda afroamericana, también mostró su preocupación por uso despreocupado de la energía nuclear. Desde su uso bélico en a finales de la segunda guerra mundial, muchos personajes se preocuparon por el mal manejo de estos recursos, el mismo Albert Einstein quien fue el facilitador de esta tecnología se opuso desde un principio. Scott-Heron participó en el concierto No Nuke que se organizo en el Madison Square Garden en los ochentas por parte de la organización Musicians United for Safe Energy con artistas de la talla de Graham Nash.

Otro tema que lo aquejaba era la segregación que se sufría a la par de Estados Unidos era en Sudáfrica: el Apartheid. Un sistema legal en el cual se basaba la política pública de Sudáfrica para que la gente caucásica tuviera el control del estado y pudiera apartar legalmente a la gente de “color”.

No todo en la vida de Scott-Heron fue ser un portavoz o activista, el también luchaba con sus propios demonios. El viene de un hogar roto, una familia incompleta como lo hace notar al principio de su último álbum Im New Here (2010). Uno de sus principales problemas fue su adicción a las drogas, específicamente al crack, como lo confeso en una entrevista a mediados de los noventas: “Ten or fifteen minutes of this, i don´t have pain”  (“Diez os quinces minutos de esto y no tengo dolor alguno) esto lo dijo mientras encendía su pipa de cristal. Otra reflexión que hace es cuando paso un tiempo en la carcel: “when you wake up every day in the joint, not only do you have a problem but you have a problem admitting you have a problem”  (Cuando despiertas cada día en el bote, no solo tienes un problema, tienes un problema admitiendo que tienes problemas).

Después de luchar varios años con adicciones finalmente volvió a ser activo con el que fuera su último disco: Im New Here. Producido por Richard Russel, el genio detrás de The Prodigy. Este álbum refresco el estilo de spoken word característico de Scott Heron. Tal fue el éxito del álbum, que el productor y músico Jamie xx hizo una remix del álbum: We re new here.

Justo este año la salud de Scott-Heron se deterioro mucho, al grado que no pudo más y el 27 de mayo falleció por causas desconocidas. Podrá haber muerto pero su legado se encuentra muy presente en ya varias generaciones de raperos y mc´s que adoptaron su estilo de protesta usando las palabras en vez de balas.

“You can go into Ginsberg and the beat poets and Dylan, but Gil Scott-Heron is the manifestation of the modern word.” Chuck D, integrante del dueto de rap Public Enemy.

La naranja mecánica

 

“He’s as queer as a clockwork orange”  (el es tan extraño como una naranja mecánica), así fue la primera vez que Anthony Burgees escucho el término en 1945, frase que utilizaría casi veinte años después para nombrar su novela: A Clockwork Orange.  Burgees un autor de Manchester el cual escribió la novela que se hiciera famosa por el largometraje dirigido por Stanley Kubrick. La película cumple este año 40 años de su estreno en complejos de cine alrededor del mundo.

Este pieza secuencial de 35 mm ha dado la vuelta al mundo siendo una obra de culto. Los Simpsons ha parafraseado múltiples veces diferentes escenas de la película; Danny Boyle hizo su propia versión de esta en los noventa adaptando la novela “Transpoitting” del escocés Irvine Welsh; e incluso Blur homenajeo la película en su videoclip de la canción “The Universal” al protagonizarlo en su mayoría en su versión del Moloko Bar. Esto es por nombrar algunas reproducciones en la cultura popular contemporánea.

En la novela de Burgees la música es un protagonista junto con el ávido melómano y ultraviolent  Alex. Al contrario de los jóvenes de su época o como la mayoría pensaría no es fanático de la música pop o algún genero más digerible sino que el se enfoca en la música de cámara o clásica. Se especializa sobretodo en autor romántico  Beethoven, o Ludwig Van como Alex lo nombra.  La relación de Alex con su preciada música es una de amor y odio, también de amor y asco.

El gobierno usa la música para condicionar la conducta de Alex, hasta el punto de propiciarle el suicidio.  Por eso Kubrick junto con Walter Carlos hacen juegos y desestructuran piezas clásicas para darle un retoque, piezas como el cuarto movimiento de la “9na sinfonía” de Beethoven, la “Overtura de William Tell”. Carlos hace uso del tema de Beethoven y le da un giro para la escena clímax de la película con “Suicide Scherzo” la cual se basa en el segundo movimiento de la “9na sinfonía”.

Kubrick es conocido también por su pasión por la música clásica ya que en la mayoría de sus largometrajes hizo una gran combinación que hizo con esta. La estación espacial la cual es comandada por Hall 9000  baila con gracia al ritmo del “Vals del Danubio Azul”

Aunque Kubrick intentó hacer uso de música contemporánea, el uso de rock progresivo. Kubrick estuvo en platicas con Roger Waters para hacer uso de fragmentos de la “Atom Heart Mother Suite” del álbum homónimo. Waters se negó rotundamente ya que Kubrick quería fragmentarla y usarla a ritmo de la película. Por lo que en la escena en que Alex va a comprar discos se puede observar en uno de los estantes la inconfundible portada del Atom Heart Mother con esa hipnótica  vaca pastando, y después en una toma frontal se ve con mucha claridad el soundtrack de 2001: A space odissey. Tiempo después Waters le pidió el mismo favor a Kubrick para usar extractos de 2001 y este le respondió con la misma negativa.

Mucho antes de que Kubrick se interesara en el proyecto, el manager de The Rolling Stones en un intento más de popularizar a la inmortal banda se acerco a Burgees y le propuso que el grupo protagonizara la versión de 35mm de su novela. ¿Qué hubiera sido de Alex interpretado por Mick Jagger? ¿Qué vuelco tendría la película si Keith Richards fuera un temeroso droog?

I woke up. The pain and sickness all over me like an animal. Then I realized what it was. The music coming up from the floor was our old friend, Ludwig Van, and the dreaded Ninth Symphony. (Desperté. El dolor y las nauseas me inundaban como a un animal. Luego me di cuenta que era. La música que venía desde el piso de abajo era nuestro viejo amigo, Ludwig Van y la tortuosa Novena Sinfonía.) Así es como Alex cede ante sus deseo de paz perpetua y brinca por la ventana. La música es la que lo mueve y la música es la que lo destruye.

El blues del desierto: Tinariwen

 

En el desierto del Sahara por más de dos mil años ha vivido un pueblo nómada que considera su hogar el mismo desierto. Este pueblo se movilizado por todo el norte y oeste de África.  Esta gente es llamada los Touareg. A principios del siglo XX, fueron atacados por los colonizadores franceses, pero ni el armamento más moderno francés pudo con ellos en un principio. Después de años de masacres para ambos bandos, los toaureg se diseminaron por las nuevas colonias francesas.

En la década de los sesentas en un mundo inmerso en la guerra fría, en el continente negro comenzaron varias revueltas que terminarían con la colonización francesa. En un golpe de estado en 1960 Senegal y la República Sudanesa se independizaron. Esta última cambió el nombre por Malí.

A la par la de independencia de Malí, los touareg empezaron con sus revueltas. La primera revuelta fue suprimida por el recientemente creado ejercito de Malí, lo que dejo a los touareg con resentimiento para otra revuelta en 1963. En esa revuelta Alhabib Ig Sidi, un comerciante fue arrestado en frente de su familia y días más tarde fue ejecutado, todo esto lo vio su pequeño de 4 años Ibrahim que poco tiempo después se fue exiliado a Argelia.

Ibrahim creció en campos de refugiados, a los nueve años tuvo su primer acercamiento con la música. En un western pudo ver a uno de los personajes principales tocar una guitarra, desde entonces Ibrahim no podía dejar de soñar y añorar ese mágico  instrumento. Tiempo después salió de su hogar para explorar el mundo. A finales de los setenta conoció más jóvenes touareg que compartían el mismo entusiasmo por la música que el, desde rap nigeriano, poesía touareg hasta rock y pop occidental.

Siguiendo con ese impulso musical, Ibrahim y su grupo de amigos empezaron a tocar en fiestas locales  con su grupo de amigos. Su reputación empezó a crecer, ya que no usaban los versos antiguos, aquellos que hablan sobre los héroes de tiempos pasados o grandes victorias en guerras, más bien ellos escribían sobre sus propias guerras, sobre vivir en el exilio y sobretodo la unificación e independencia del pueblo touareg. Ellos grabaron su música en un principio en cassette, y estos rondaban por todo el desierto y eran copiados múltiples veces.

Sin saberlo Ibrahim y sus amigos, hacían propaganda y se convirtieron  en los representantes de un movimiento. En ese entonces todos los amigos de Ibrahim: Inteyeden, Japonais, Diarra y Jassan decidieron formar Tinariwen, que en un lenguaje berbere típico de los touareg, significa gente del desierto. A finales de los setenta todos los miembros del grupo eran guerrilleros en el movimiento de Gaddafi. Apenas 6 meses después se salieron del movimiento y decidieron ser mercenarios de la música. Empezaron a hacer más tocadas en vivo, la gente los apreciaba por que habían aterrizado la música folklórica touareg con arreglos más contemporáneas.

Al estilo nómada y como parte de su cultura, el grupo empezó a crecer teniendo dejembes , guitarras, otro tipo de percusiones; incluso se ha dicho que cada touareg ha llegado a ser miembro de Tinariwen por algún tiempo.

Para el año 2001 la banda empezó con su fama internacional al ser parte un festival de música en el desierto. Este festival es organizado alrededor de la reunión anual del pueblo touareg. En aquella primera edición de este festival hubo casi 1000 locales y algunos fanáticos europeos. Este festival fue un catalizador para el grupo, en ese mismo año tocaron en festivales en Inglaterra y Dinamarca.

Desde entonces han estado moviendo por todo el mundo, siguiendo con el ajetreo de su fama internacional en ese mismo año sacaron su primer disco “The Radio Tisdas Sessions”. Aunque siendo meticulosos no es su debut, ya que ellos debutaron de mano en mano a través del rudimentario cassette del desierto.

En 2004 apareció su segundo álbum. Esta placa se llama “Amassakoul”, que significa el viajero. Este disco marca el estilo musical del blues del desierto o touareg blues.  Ibrahim sigue siendo el centro creativo del grupo, aunque varios miembros han cambiado pero su grito de rebeldía sigue siendo parte central de su música.

Tres años después regresaron con su tercera placa “Aman Iman: Water is Life”.  Un disco dirigido a una audiencia mucho más internacional. En este se puede ver el lejano parentesco que se tiene con el delta blues, y uno puede apreciar la influencia de estilos occidentales como Hendrix o Robert Plant. Este último que a coqueteado continuamente con la música de África, al hacer varias partes de su unplugged en Marruecos, inspirarse para la canción de “Kashmir” que en realidad habla sobre una región al norte de Marruecos y también haber participado en una ocasión en la versión más reciente del Festival Au Desert.

El álbum más reciente hasta la fecha es el laureado de 2009: “Imidiwan: Companions”. Este realizado completamente bajo el spotlight internacional, habiendo participado en los festivales de más renombre en Europa. Para este disco vuelven con el productor francés que les ayudo en su primer disco: Jean Paul-Roman. Este los regresa directamente a sus raíces, a un blues del desierto mucho más crudo.

Tinariwen ha llamado la atención del mundo musical, al poner de nuevo los ojos en África, aparte de las previas incursiones occidentales como Ginger Baker (baterista de Cream) con el padre del afrobeat Fela Kuti, el viaje de Paul Simon a Áfricao de la reconocida disquera Real World Records de Peter Gabriel.  Aparte de su éxito como músicos ellos son cabeza de un movimiento que le da un respiro e impulso al pueblo nómada que hace del desierto su hogar.

Otro grupo de la talla de Tinariwen, son Toumast un dueto de la República de Nigeria que también le dan ese giro a la música del desierto con guitarras incendiarias. De nuevo se ve la mano del mismísimo Hendrix batiendo las arenas del Sahara.  Estos grupos decidieron cambiar los cuernos de chivo o kalashnikov por una gibson o una telecaster.

 

Seasick Steve, el vagabundo blusero

 

Hobos are people who move around looking for work, tramps are people who move around but don’t look for work, and bums are people who don’t move and don’t work. I’ve been all three. (Hobos son personas que se mueven constantemente buscando trabajo,tramps son personas que se mueven pero no buscan trabajo, y bums son personas que no se mueven ni trabajan. Yo he sido cada uno de los tres.) Así es como Steven Wold se presenta a si mismo en el documental de la BBC4 Seasick Steve: Bringing it All Back Home. Un documental de la BBC que busca encontrar las raíces la música estadounidense con interpretes contemporáneos.

Steven Wold mejor conocido como Seasick Steve un blusero contemporáneo que con su estilo peculiar y sus instrumentos de propia manufactura ha conquistado la industria musical en Reino Unido. Wold nació en 1941 en California, desde entonces ha estado deambulando por los Estados Unidos, Inglaterra y Escandinavia.  El apodo de seasick viene de hace  más de diez años cuando tomó un ferry de Dinamarca a Noruega, y al no tomar la medicina para el mareo se la paso vomitando toda la noche, entonces un amigo lo bautizo con el sobrenombre de Seasick Steve.

Seasick ha sido un vagabundo, un trotamundos, un holgazán pero con la  constante de la música a través de estos más de 60 años. En su juventud vivió en San Francisco en la zona de Haight & Ashbury cuna del movimiento hippie. Con frecuencia llegaba a fiestas en la casa de Janis Joplin y Big Brother. Después de vivir la escena de San Francisco se fue en uno de sus primeros viajes a Francia, en cual sobrevivió a través de sus presentaciones en el metro de Paris.

Años más tarde siguió como músico de sesión y productor, uno de sus trabajos es el debut de Modest Mouse “This is a Long Drive For Someone with Nothing to Think About”. Steve vivió por algún tiempo en Olympia, la capital del estado de Washington. En una ocasión llego a un bar y vio a Nirvana en vivo se entusiasmo tanto que fue a felicitarlos: I walked in and I went ‘This is the shit, man!’ They just wondered who the hell I was… I was the only old person there and I’m saying «You guys are rockin’!» They were all suspicious of me! They had that drummer guy, the new one, Dave Grohl. Everybody in Olympia was a drummer in Nirvana for a while! (Entre camindando fui y les dije: “Esto es la onda! Se quedaron pensando quien diablos era yo …Era la única persona ahí y yo ahí diciendo  “Ustedes rockean”  Ellos estaban desconfiados de mi. Tenían un nuevo baterista, el nuevo Dave Grohl. Todos en Olympia fueron baterista de Nirvana por algún tiempo.)

El debut musical de Steve llegó hasta el 2004 con el grupo The Level Devils: “Cheap”.  Un disco que muestra su estilo más desgarrado, y con influencia directa del Delta Blues  de  maestros como  Robert Johnson, Son House Jr. y John Lee Hooker.

La carrera como solista vendría dos años después con el álbum “Dog House Music”. Este disco marca su evolución hacia one man band, aunque en la presentaciones en vivo se hace acompañar por el bestial y torpe baterista Dan Magnusson. El cual tiene un semblante  muy parecido a Animal de los Muppets. Wold se presento en el show Later with Jools Holand de la BBC el Hootenany de 2006. En esta ocasión se presento con uno de sus instrumentos mutantes  la three string trance wonder. Después de este show se catapulto a la fama, al  tocar en múltiples festivales por todo Europa.  La historia de three string trance wonder guitarra es recurrente en las presentaciones en vivo. Steve cuenta que su amigo Sherman la compro en 25 dólares en una tienda de chatarra al día siguiente el se la vendió a Steve por 75, este le pregunto por que tan cara y finalmente Sherman afirmo que si no la compraba ese día al siguiente costaría 85. El la compro tal como estaba, desde entonces sigue solo con tres cuerdas y algunos detalles de cinta adhesiva.

Desde el 2007 ha estado de tour por todo el Reino Unido, en diferentes shows como solista.  En 2008 hizo un cambió de disquera y estreno la placa “I Started Without Nothing And Still Got Most Of It Left”. Este disco muestra la evolución del blues de Seasick. La colaboración con Nick Cave “Just Like a King” sobresale de este disco. En esta Cave le añade un tono más melancólico a blues más jovial de Steve.

Steve  haz estado en una racha creativa, un álbum tras otro. En 2009 regresó con “Man From Another Time”. En este le rinde tributo a otro de sus instrumentos mutantes Diddley Bow  un instrumento que solo consiste en una sola cuerda sobre una tabla de madera y es tocado mediante un slide, que con la practicidad de Steve el usa un destornillador para esto.

En 2010 se dio un respiro y nos dio una pequeña compilación “Songs for Elizabeth”, con solo una nueva canción “Ready For Love”. Esta es una compilación o más bien un mix tape de Seasick a su compañera y esposa Elizabeth con la que lleva casado más de treinta años y es madre de dos de sus hijos.

Seasick sigue siendo sensación en Reino Unido, fue uno más de los invitados al polémico show de televisión de la BBC Top Gear. Steve fue invitado a la sección de estrellas que maneja el reasonably priced car (un chevrolet de bajo precio) en un pequeño circuito y se comparan los tiempos con otros artistas que han ido al programa. En esta entrevista Seasick habla sobre sus automóviles y su último instrumento mutante the Morris Minor, consiste en dos polveras del vocho británico pegadas con un palo de madera y cuatro cuerdas. Steve también participo en las afamadas Black Cab Sessions con su canción sobre insectos molestos “Chiggers”.

Este año hay nuevo material de Seasick “You Cant Teach An Old Dog New Tricks”. En las redes sociales ya se esta promocionando el primer sencillo del disco “Treasures” una balada mucho más oscura que lo que acostumbra Seasick; también esta la canción que le da nombre al disco, con un video de animación que no es muy frecuente al estilo auster de Steve.  Este disco sale en Estados Unidos como parte de la disquera del incansable Jack White: Third Man Records.

Seasick Steve un blusero que no es del delta que nos demuestra que nunca es tarde.

Beastie Boys, a treinta años de su debut

 

A finales de la década de los setenta en Manhattan se empezó a cocinar el proyecto que hoy, treinta años después, conocemos como los Beastie Boys.  Varios jóvenes que tocaban en bandas de hardcore punk decidieron unirse para formar la primera alineación del grupo: Michael Diamond (Mike D) en voz, Adam Yauch (MCA) con el bajo, Kate Schellenback detras de la batería, y en la guitarra John Berry poco después se les uniría el joven guitarrista Adam Horovitz (Ad-Rock).

Esta primera parte de la banda se enfocó al punk en un principio, más tarde hicieron su primer intento con el hip-hop  con el ep “Cooky Puss”.  El ep se basa en una broma telefónica que hicieron a una compañía de helados, un acercamiento a algo de reggae con “Beastie Revolution” y también marca la salida de Schellenbag del grupo. Entonces hicieron mancuerna con una leyenda en potencia : Rick Rubin.  Rubin desde un principio hizo de la suyas con sampleos y riffs pesados. En 1985 los Beastie firmaron con Def Jam Records, la cual fue creada por  el mismo Rubin y Russell Simmons. Los Beastie ese año fueron teloneros del  Virgin Tour de Madonna y Public Image Limited; un año después salió su lp debut Licensed to Ill  la Rolling Stone reseño el disco con una frase clave: “Three idios create a masterpiece” (Tres idiotas crean una obra maestra).

En 1987 el grupo cosechaba los éxitos de uno de los debuts más prominentes de la historia del hip-hop cada vez eran más populares con su sencillo “Fight For Your Right”, siendo estelares de su propio tour. Un tour que estuvo plagado de demandas y controversia, incluso Ad-Rock fue arrestado en un concierto.

Para su siguiente disco, el dark side of the moon/pet sounds del hip-hop: “Paul´s Boutique”, los Beastie rompieron con Def Jam y Rubin por diferencias personales y financieras, cambiaron de disquera, productor y de ciudad. Después en Los Angeles empezaron a producir con the Dust Brothers bajo el cobijo de Capitol Records. Este lp es considerado uno de los trabajos más completos del trío y de sus más aplaudidos. Solo la épica “B-Boy Bouillabaisse” tiene 21 sampleos de artistas como los mismos Beastie Boys, Johny Cash hasta Malcom McLaren. Este álbum muestra la habilidad y vasto conocimiento de los Beastie, para resignificar partes esenciales de otras canciones y armar una obra maestra del sampleo. Por cierto este disco se volvió a ser noticia, ya que el iconico edificio de la portada se incendió hace unas semanas, Mike D invito a los fans a no ceder a la melancolía y mirar hacia adelante. Diamond que estos días se oficializo como somelier, que bien también podría ser catador de sampleos.

Algo que también  ha caracterizado a los Beastie son sus peculiares videos, en los cuales siempre estelarizan los tres y algunos músicos de su grupo, del disco “Check Your Head“ de 1992 esta el de bajo presupuesto “So Wat´Cha Want” y el que rinde tributo a un épico concierto en Pompeya de Pink Floyd “Gratitude”. En este último se hace una “parodia” con los mismo movimientos de cámara e incluso le escriben en sus amplificadores la leyenda “Pink Floyd London” como apareciera en el video de “Echoes” del grupo inglés. A la par de sus videoclips, MCA empezó con su búsqueda espiritual viniendo de una familia judía se intereso por el budismo, y por el pueblo tibetano por lo cual organizo con otros artistas el Tibetan Freedom Concert (Concierto por la liberación del Tibet ).

En 1994 llegó el Ill Comunication un álbum variado en estilos como su antecesor. Esta el hit más rock e instrumental “Sabotage” el cual tiene  uno de los más vistos videoclips en los noventas. Este video fue dirigido por Spike Jonze, inspirado por serie policiacas setenteras. Aquí también escuchamos un lado más improvisado e instrumental de los Beastie con canciones como “Sabrosa”, “Shambala” y “Transitions” las cuales después formarían parte de una compilación llamada “The In Sound From Way Out”. Siguiendo con la línea más personal de MCA esta la canción de “Boddhisattva Vow” la cual habla sobre el voto que ha alcanzado cualquier persona que quiere alcanzar la iluminación o budeidad para beneficiar a todos los demás seres sintientes; las regalías de esta canción y “Shambala” fueron donadas al Fondo Milarepa,  el cual aboga por los derechos humanos del Tibet. Ese año con su nuevo disco fueron headliners del famoso festival de Chicago : Lollapalooza.

Para 1997 regresaron a Nueva York a grabar su siguiente placa con otros estilos musicales y el scratcheo desde las tornamesas de Mix Master Mike y la constante producción de Mario Caldato Jr. : “Hello Nasty”.  En este disco sobresalen “Bodymovin´” por su video parodia a Diabolik y el remix de Fatboy Slim, “Three MC´s and One DJ” donde la presencia de Mix Master es inconfundible y el clásico de “Intergalactic” del cual el video fue grabado en Tokio, donde el pueblo japonés sufre desgracias por monstruos mutados por la radioactividad.

A finales de los noventas los Beastie se preparaban para hacer un tour con Busta Rhymes y Rage Against the Machine, pero Mike D sufrió un accidente en bicicleta por lo que se  pospuso; después cuando D se recuperó De La Rocha y compañía se habían separado.

Cuando Ulrich y Napster empezaban con su batalla campal, los Beastie fueron de los pioneros en la distribución de mp3 a través de su página oficial, aunque la disquera poco después suspendiera este servicio.

Tres años después de los infames ataques terroristas a Nueva York,  en el 2004 los Beastie decidieron homenajear  a los 5 barrios de la ciudad con su sexto álbum: “To The 5 Boroughs”. Este álbum hace presente su  melancolía y amor por la ciudad. La canción más representativa de esto es “An Open Letter To NYC” como en el video de “Alive” canción inédita de su compilación “The Sound Of Science”, los Beastie recorren la ciudad, barrio por barrio en bicicleta y muestran la pluralidad y el sabor de la ciudad. El trío pudo haber cambiado de ciudad, productores y compañía pero sus raíces se encuentran en Manhattan y los demás barrios.

Entre discos los Beastie decidieron grabar un concierto en vivo en el Madison Square Garden, con la ayuda de de 50 cámaras hi 8 esparcidas por toda la audiencia editaron el peculiar concierto de “Awesome, i fucking shot that”.

Totalmente por otro estilo al sentimiento del “To The 5 Boroguhs” los Beastie se fueron por otra línea creativa al componer o improvisar su siguiente disco “The Mix Up” en el 2007.  Un álbum totalmente instrumental con fuerte influencia del jazz y funk. Aquí como en ocasiones anteriores cada uno cambia el micrófono por su instrumento: MCA con el bajo, Ad-Rock guitarra y Mike D con la batería. “The Mix Up” tuvo un ep de complemento con 6 canciones más, siguiendo todo el ambiente del disco. Para soportar el disco en vivo a lo contrario de hacer un tour decidieron participar en varios festivales como el Sónar de Barcelona o el Roskilde en Dinamarca.

En 2009 los Beastie presentaron con Nas  el sencillo “Too Many Rapers”, el cual formaría parte del nuevo disco “Hot Sauce Committe”  el cual saldría a mediados de septiembre pero en ese verano MCA fue diagnosticado con cancér de laringe. Por lo que el tour y las dos partes del “Hot Sauce Committe” fueron retrasadas.  Apenas hace algunos meses se ha comentado que la salud de MCA ha mejorado, por lo que se confirmo la fecha del octavo disco de estudio “Hot Sauce Committe pt. 2”  el 3 de mayo. La primera parte sigue en espera y no hay ninguna fecha oficial.  Los Beastie están de regreso y de lleno ya que con la salida del disco también saldrá una reversión del video “Fight For Your Right” en la cual hay actores como Will Ferrel, Elijah Wood y Seth Rogen por nombrar algunos.

La influencia de Ennio Morricone

 

A proposito de la publicación del álbum «Rome» de Danger Mouse & Daniele Luppi

Ennio Morricone es un músico italiano nacido al final de la década de los veinte en Roma. Es conocido principalmente por su basta y longeva carrera musicalizando películas y series de televisión de múltiples directores y estilos. Hace más de medio siglo Morricone obtuvo su diploma en trompeta y desde entonces compone hoy su obra musical llega a más de 400. Gracias a tal trabajo influenciado a diferentes artistas como Jay Z, Metallica, The Mars Volta, Mike Patton, Roger Waters e incluso al grupo de hobbie de Robert Rodriguez Chingon. El único disco de la banda de Rodríguez se titula “Mexican Spaghetti Western”.

Morricone es parte esencial de la cultura cinematográfica italiana con más de 50  años componiendo y orquestrando bandas sonoras que ya son parte imborrable del colectivo general de cualquier cinéfilo del mundo. Esta uno de los mayores homenajes que el cine se ha hecho a si mismo Cinema Paradiso, en la cual Ennio envuelve con una atmósfera llena de capas dulces para acompañar a Toto desde su niñez hasta la culminación de su enamoramiento con Elena.  En Chicago nos lleva a las calles llenas de sangre por el conflicto entre Al Capone y Elliot Ness en the Untouchables de por Brian De Palma.De la mano de Roland Joffé nos lleva a Brasil en el siglo XVIII para acompañar a la compañía Jesuita y su intento de salvar a los aborígenes locales del esclavismo portugués.  Aún así sus trabajos más elaborados y de más culto han sido sus composiciones para los spaghetti westerns, con directores como Enzo G. Castellari, Alberto Cardone, Sergio Corbucci, Guilo Petroni, Pier Paolo Passolini, Dario Argento, Bernardo Bertolucci y el maestro Sergio Leone.

La combinación entre Morricone y Leone fue excepcional. Desde un inicio con A Fistfull of Dollars (1964), que después se convertiría en trilogía con For A Few Dollars More (1965) y la más representativa del spaghetti western The Good The Bad And The Ugly (1968). En esta última hay dos canciones que sobresalen “Il Triello” en la cual la combinación de la música y el cambio rápido y constante de los planos suben la tensión hasta el fulminante clímax a través del gatillo de Blondie (Clint Eastwood) o la angustiosa avaricia de Tuco que lo lleva a buscar por todo el cementerio la tumba con el dinero en “L´estasi dell´oro”.

Metallica ha hecho suya esta canción, ya que abre todos sus conciertos desde 1983 con la secuencia de Tuco buscando el oro en el cementerio y mientras se escucha a la mezzosoprano con ese iconico canto. También el disco tributo a Ennio “We All Love Morricone” hicieron una reversión muy a su estilo que venía desde el disco “S & M” en cual la banda también interpreto la canción junto con la Sinfónica de San Francisco.  Al estilo de Metallica The Mars Volta también abre sus conciertos con música del italiano pero ellos hacen uso de “A Fistfull of Dollars” mientras marchan todos hacia sus instrumentos. Muse hace una hazaña similiar pero ellos para cerrar su concierto interpretando “The Man With the Harmonica” y dando pie a “Knights of Cydonia”.

Brian Joseph Burton conocido también como Danger Mouse músico y afamado productor de proyectos como Gorillaz, The Good The Bad and The Queen y The Black Keys por nombrar algunos tiene un nuevo proyecto que esta por salir. En esta ocasión se hace acompañar por Daniele Luppi compositor italiano con el que ya ha  trabajado, que sobresale por su creciente filmografía . Ahora los dos inspirados en su juventud y añoranza por el viejo cine italiano con esos poderosas banda sonoras y grabando en Roma con músicos que tocaron con el mismo Morricone o Bacalov nos entregan “Rome”.

“Rome” es un disco compuesto y orquestrado por Luppi y Burton a la usanza de los años sesenta grabando todo en un mismo estudio con tecnología análoga y sin ninguna ayuda contemporánea justo para darle ese sonido vintage del cual ambos autores se enamoraron. Ya con la musicalización preparada buscaron  las voces que acoplaran perfectamente, tanto una femenina como una masculina. Burton habiendo conocido a Jack White en tour pensó en el como primera opción; siendo este un proyecto con tecnología análoga y mucha precisión White acepto sin alguna objeción. Daniele y Brian comentaron haber escuchado a Norah Jones, ninguno la conocía personalmente, pero al presentarle el proyecto ella accedió de inmediato igual que White.

Siguiendo con Daniele Luppi, este trabajo en conjunto a Mike Patton en su último álbum como solista y su viaje toscano: “Mondo Cane”. Un lado más del multifacético californiano que ha estado en Mr. Bungle, Tomahaw, Fântomas, Peeping Tom y el más conocido Faith No More. En esta ocasión Patton con sus vivencias en Italia hace un acercamiento a la música pop italiana de los cincuentas y sesentas, dentro de esta compilación de reversiones no podía falta un par de homenajes a Morricone. Del soundtrack de “Diabolik” esta “Deep Down”  y “Chelo Que Conta” igual con el toque romántico que seguido caracteriza a Morricone. Para este disco Luppi aporta su técnica en las cuerdas y la producción.

Un ferviente fan de la música de Morricone es Quentin Tarantino. Este ha sabido repensar la música del italiano para sus propias películas y hacer nuevas inolvidables escenas. Gracias a Tarantino el compositor italiano a llegado a ser familiar para nuevas generaciones.

The Polar Music Prize es la versión musical de Premio Nobel, también es entregado por el rey Carlos XVI. Este premio ha sido entregado a grandes representantes de diferentes ambitos de la música desde 1992. Entre los laureados esta Paul McCartney, BB King, Ray Charles, Peter Gabriel, Led Zeppelin, Pink Floyd, Ravi Shankar y al mismísimo Dylan por nombrar a algunos. La premiación del 2010 conmemoro a dos artistas inovadores cada uno en lo suyo: Björk y Ennio Morricone.

Morricone como muchos otros aprendió a improvisar a falta de dinero, en su primer banda sonora importante: “For A Fistfull of Dollars” improviso con voces y otros instrumentos ya que no tuvo acceso a una orquesta completa. Esa falta de elementos hizo que el se creara los suyos y generara su sonido característico, un sonido que es reconocido donde sea. Ennio sigue ahora de tour en algunas ciudades mostrando una pequeña parte de lo que es sus música en vivo. También sigue componiendo uno de los próximos filmes será “Leningrad” dirigido por Guiseppe Tornatore a partir de un guión de Sergio Leone.

Syd Barrett, the crazy diamond

Julio, 2006

Y me pregunto, quien podrá estar escribiendo esta canción…

El pasado mes de julio, se consumó lo que hace más de 20 años había comenzado: la muerte de Roger Keith Barret. Su muerte llevaba años gestándose, a causa de la diabetes, la cual culmino con su vida el pasado 7 de julio. El icono del rock psicodélico mejor conocido como Syd Barret, co-fundador y líder de Pink Floyd, murió en Cambridge en compañía de su madre y su hermana.

Syd Barret, fue es y será reconocido mundialmente por su talento y su particular forma de crear música. En sus dos etapas, con Richard Wright, Roger Waters y Nick Mason como Pink Floyd o en su etapa como solista.

Roger K. Barret vio la luz un 6 de Enero de 1946 en Cambridge, Inglaterra. Nació una familia de media clase siendo el quinto hijo; sus padres desde pequeño lo apoyaron en sus ambiciones musicales. En 1964 en la preparatoria conoció a David Gilmour, quien más tarde lo reemplazaría este le enseño a tocar la guitarra como después nos lo demostraría con Pink Floyd.

Syd, se unió a la multifacética banda que estaba pasando por muchos nombres como The Adbads, The Screaming Adbads y The Meggadeahts, la cual se consolido como The Pink Floyd Sound, terminando solamente en Pink Floyd. Este nombre lo consolido el mismo Syd, yuxtaponiendo los nombres de dos de sus cantantes de blues favoritos Pink Anderson y Floyd Council. La banda comenzó con covers del blues, mientras tanto se estaba consagrando el sonido único de Pink Floyd con el cual se darían a conocer en el disco The Piper at Gates of Dawn. Primer álbum de Syd con Pink Floyd, con los éxitos que pondrían a Pink Floyd en el mapa, como “See Emily Play”¸ “Arnold Lane” y “Astronomy Domine”. Este álbum se grabaría a la par del clásico de the Beatles Sgt. Pepper Lonley Hearts Club Band, a un par de metros en el Abbey Road Studio en Londres.

Después en el tour para promocionar su primer álbum, el comportamiento de Syd, era impredecible podría aparecerse y tocar armoniosamente con los banda como siempre, o llegaba y realizaba un show que solo la audiencia disfrutaba mientras que el resto de la banda no sabía que hacer para detener a Syd de desafinar su guitarra. Los demás integrantes de Pink Floyd, llegaron a la decisión que Syd, ya no podía seguir tocando con ellos por su comportamiento. Entonces en 1968, Pink Floyd se deshizo de Syd Barret, siendo sustituido por David Gilmour (ex compañero de Syd en la preparatoria) en guitarra y vocales. Syd, llegó a tocar fondo, gracias a su placer por experimentar con el LSD. Aquella sustancia sustancia de moda y que siempre acompaño al rock psicodélico. La canción de “Jugband Blues”, que se incluyó en A saucerful of secrets, es considerada por algunos como la despedida de Syd de la banda. Aquí es donde Barret se despide públicamente, y deja la batuta de la banda para que sea tomada por Waters, quién le dio un giro a la banda. Aunque Barret con Floyd hizo más himnos psicodélicos como “Paint Box” y “Julia Dream”, que han visto la luz como lados B.

La salida de Barret de Pink Floyd no lo freno musicalmente, ya que este “regreso” con tres discos como solista: The Madcap Laughs, Opel y Barrett. En el primero Roger Waters y David Gilmour contribuyeron con la producción, en el segundo Gilmour produjo de nuevo pero ahora en mancuerna con Richard Wright. En su época como solista, solo se consumo un concierto, en 1970 que era parte de un Festival de Música y Moda. En 1975, cuando sus ex-compañeros, regresaron al estudio para grabar Wish You Where Here, un disco que era un homenaje a su compañero perdido el diamante loco. Syd llego sin anunciarse al Abbey Road Studio, mientras la banda grababa la épica canción Shine On You Crazy Diamond. Ninguno de los Floyd lo pudo reconocer, ya que Syd había ganado algo de peso y además se había afeitado todo su cabello, incluso sus cejas (esto es una referencia al largometraje de The Wall, donde Pink el personaje principal, hace lo mismo antes de enloquecer). Al verlo todos se preguntaron quien era, Waters al darse cuenta que era Syd, rompió en llanto, mientras que Richard Wright estaba atónito al observar a Syd. Nick Mason y David Gilmour, hicieron los mismos comentarios en diferentes revistas, que ninguno lo pudo reconocer, y todos entraron en shock al ver su nueva apariencia.

Después, Syd ya no se hizo de la vida pública. Se tuvo información de este, que volvió a su natal Cambridge para vivir de nuevo con su madre, en una vida lejos de la farándula y los excesos del rock progresivo. Así, que Barret era asechado por los paparazzi en cualquier viaje a la tienda o algún paseo por Cambridge. El vivió casi aislado del mundo, su conexión con este era su hermana Rosemary. En sus últimos años de vida vivio asechado por ulceras estomacales y diabetes de segundo grado.

David Bowie, artista que sus comienzos fue catalogado como un clon de Syd Barret, hizo público su pesar por la muerte de Syd; comentado que el fue una gran influencia tanto musical como personal para Bowie: A diamond indeed (un diamante ciertamente).

En la luz

Diciembre, 2007

Como muchos jóvenes de mi generación  vi la película Waynes World, en la cual Wayne ansía hacerse de una Fender Stratocaster blanca. Esta guitarra está resguardada en una caja de acrílico en la tienda como una obra de arte. Wayne  pide la guitarra al encargado de la tienda para probarla por enésima vez, y se dispone a tocar esa ya legendaria canción “Stairway To Heaven”, pero el encargado lo detiene inmediatamente para recordarle que está prohibido usar esa canción para probar las guitarras, con un letrero en la pared que dice NO STAIRWAY (“No escalera”, aludiendo al título de la canción).  Esto es un parodia, pero el mito se inspira en una tienda de música en Londres, donde un letrero  le niega a los clientes  probar las guitarras bajo ninguna circunstancia con canciones como “Stairway to Heaven”, “Sweet Child of Mine” y “Smoke on the Water” (de Gun´s n Roses y Deep Purple, respectivamente). Pero la canción que nos interesa es “Stairway To Heaven” porque es la más conocida mundialmente del legendario cuarteto británico Led Zeppelin.

Ya han pasado más de 27 años desde que este grupo se separó por una desgracia: la muerte de su baterista John Bonham, que se ahogó  con su propio vómito después de una gran borrachera con vodka. Desde esa fecha se han reunido para aportar en el Live Aid de 1985, para el 40 aniversario de la disquera que los vio despegar y cuando fueron incluidos al Rock and Roll Hall of Fame En esta ocasión el motivo para su reunión es conmemorar a su mentor Ahmett Ertegün, co-fundador de la disquera Atlantic Records.  Ertegün trágicamente fallecido en el 2006, después de un estado de coma,  a causa de una caída en bambalinas al tratar de ir a saludar a los Rolling Stones en el concierto de cumpleaños de Bill Clinton. El mismo Jimmy Page lo mencionó en el discurso de aceptación cuando los introdujeron al UK Hall of Fame, cuyo premio dedicó a Ertegün que entonces seguía en coma. El concierto es para rendirle tributo al Ahmet Ertegün quien apadrinó a Led Zeppelin a finales de los sesenta para dar rienda suelta a uno de los grupos que más han influenciado el rock. En el concierto también se presentarán  Pete Townshend (guitarrista de The Who), Paul Rodgers (quien recientemente grabó y estuvo de tour con Queen), los Rhythm Kings de Bill Wyman (ex bajista fundador de los Rolling Stones), Paolo Nutini (canta-autor escocés), y Foreigner (banda en la cual Jason Bonham está actualmente de baterista) como actos de soporte previos a la actuación de Led Zeppelin.

Been dazed and confused for so long is not true (“He estado confundido y aturdido por tanto tiempo que no es verdad”). Así es como se sienten los tres integrantes de Led Zeppelin, John Paul Jones, Jimmy Page y Robert Plant después de tres reuniones fallidas o que no llenaron las expectativas. Primero en 1985 a un lustro de la muerte de Bonzo  se reunieron para dar una presentación dentro del marco de Live –Aid tratando de llenar el vacío de Bonzo con bateristas de la talla de Tony Thompson (baterista de estudio y también del grupo Chic) y Phil Collins (entonces todavía baterista de Genesis). La misma banda se negó a que incluyeran su parte en la reproducción del concierto, porque no se apegó a los estándares de calidad que usualmente ofrecían en sus conciertos, sin embargo, lo más memorable fue cuando Robert Plant añadió la frase does anybody remember the laughter (“¿alguien recuerda la risa?”) a “Stairway to Heaven aludiendo a los años donde esa canción era parte esencial de sus conciertos. Al pasar tres años se reunieron de nuevo Jones, Plant y Page ahora con Jason Bonham en la batería para festejar el cuarenta aniversario de Atlantic Records, sin mucho que comentar sobre este concierto donde nada trascendió. También en la boda del mismo Jason dieron una pequeña demostración de lo que alguna vez fueron. En 1994 Zeppelin no se reunió, sino que Page y Plant se juntaron para hacer un Mtv Unplugged sin invitar a John Paul Jones, lo que causó tensiones entre los tres. Esto lo recalcó Jones cuando Led Zeppelin fue incorporado al Rock and Roll Hall of Fame, agradeciendo a sus compañeros (refiriéndose a Page y Plant) por haber recordado finalmente su número telefónico.

Pero este año, después de muchos rumores desde el verano, finalmente se confirmó  el 12 de septiembre en rueda de prensa, que la banda se reuniría para un único concierto. Los boletos costarán 125 libras esterlinas, pero sólo se podía acceder a comprarlos mediante una rifa que únicamente alegraría a 20 mil fans. La demanda del concierto ha sido histórica: más de un millón de personas accedió al sitio web del tributo (ahmettribute.com) para tener una oportunidad para este majestuoso concierto. Pero a un fanático de los pocos que son inmensamente adinerados, no lo detuvo la rifa, Kenneth Donnell, originario de Escocia, participó en la subasta Lo que el dinero no puede comprar  de la BBC Radio 2 y pagó la cantidad de 83 mil libras (un millón 324 mil 655 pesos) por los boletos, para que este dinero sea donado a la fundación Children in Need (niños en necesidad). Originalmente programado para el lunes 26 de noviembre en la arena O2 (anteriormente Millenium Dome) en Londres, se tuvo que reagendar por un incidente inesperado: la fractura de un dedo del guitarrista Jimmy Page. Este comunicado se dio a conocer a través de la prensa en el cual Page se disculpa y explica que para dar un concierto de calidad como los que solía ofrecer Led Zeppelin necesita tres semanas de recuperación por lo menos. Por lo que el concierto se realizará el 10 de diciembre, en el mismo lugar programado.

In the evening, When the day is done (“En la tarde, cuando el día ha terminado”).  Con esos versos Plant nos lleva al que sería el último álbum que Led Zeppelin lanzará con Bonham estando vivo. Este álbum fue In trhough the out door, el cual se grabó en el Polar Studios de Estocolmo, estudio fundado por los integrantes de ABBA, que desafortunadamente tuvo que cerrar sus puertas en el 2004 por falta de pago. Este álbum salió a la luz cuando la música punk estaba amenazando con desinflar al zeppelin, por eso era como pasar por la puerta de afuera para llegar a los fanáticos de nuevo. Pero esas turbulencias las tuvo la banda desde el comienzo cuando Keith Moon (baterista de The Who) les auguró un futuro incierto al decirles “you would go down like a lead Zeppelin” (“ustedes caerán como un zeppelin vacío”) pero Peter Grant le quitó la A de lead para acomodar la  pronunciación a los estadounidenses y el nombre terminó en Led Zeppelin y no Lead Zeppelin. Siguiendo con la frase de Moon, la banda decidió utilizar la famosa foto de la caída del Hindenburg para su álbum debut Led Zeppelin o también conocido como Led Zeppelin I.

I Can’t Quit You, Baby, so I’m gonna put you down for awhile (“No puedo renunciar a ti bebé, por lo tanto te pondré a un lado por algún tiempo”). Así es como Willy Dixon engatusó a Robert Plant y Jimmy Page, y terminaron añadiendo esta canción a su debut músical. Page músico de estudio había tomado las riendas del grupo ya desplumado The Yardbirds que se desintegró a finales de 1967. Page quiso seguir con este grupo por lo que reclutó a su conocido compañero de estudio John Paul Jones para que se integrara como bajista y tecladista. Después Page escuchó por amigos que en Birmingham había un  muy buen cantante de blues, por lo que decidió ir a ver su show. Este quedó impresionado por el rango vocal de Robert Plant, así que lo abordó para comentarle su idea del grupo. Más tarde cuando Page y Plant estaban en sintonía por los mismos gustos musicales, Robert sugirió a su ex compañero de banda John Bonham para que llenara el lugar de la batería. Finalmente estaba formado el grupo The New Yardbirds, pero este grupo debía cubrir varios shows que dejaron pendientes en Escandinavia por lo que se fueron de tour en el 68. Para octubre de ese mismo año debutaron ya como Led Zeppelin en la Universidad de Surrey. Después, en ese mismo mes con 36 horas de trabajo en el estudio, según Page,  grabaron el disco debut. Este disco fue posible con un acuerdo que su manager Peter Grant consiguió con Atlantic Records y que les dio total libertad creativa. Lo que desembocó en covers de Willie Dixon como  son “You Shook Me” y “I Can´t Quit You Baby” que Zeppelin marcó con la perfecta alquimia entre los acordes de Page y los alaridos de Plant. También está la excelsa interpretación de la ya mágica “Babe I´m Gonna Leave You” de Joan Baez, pero con la firma indiscutible de los cuatro que la convierten en épica. Este disco no sólo fue compuesto de covers, sino también entró el talento de Page sobretodo en “Dazed and Confused” la cual es testigo de la temprana maestría de Page con la guitarra y sus ya inconfundibles solos.

Take it easy baby, let them say what they will (“Tómalo con calma bebe, dejalos que digan lo que quieran”).  Letras que James Patrick Page compuso para el primer disco de Zeppelin. “Dazed and confused” canción que hizo totalmente suya en las presentaciones en vivo alargándola de su normal duración de seis y medio minutos hasta  cuarenta y cinco. En la versión en vivo que aparece en Led Zeppelin DVD, se cronometran diecisiete  eléctricos minutos del solo de guitarra, el más extenso oficialmente grabado en la historia. Esta locura por la guitarra y maestría al tocarla viene desde que Jimmy era muy joven. A los doce años ya dominaba la guitarra gracias a su constante práctica influenciado por guitarristas como James Burton, quién toco  en varias grabaciones de Elvis Presley. Page admite que una de las primeras canciones que dominó en la guitarra eléctrica fue la “Baby Let´s Play House” del ya consagrado Rey. Años después Jimmy se convertiría en ávido guitarrista de estudio participando en la grabación de la mayoría de discos de grupos ingleses entre los años 1963 y 65.  Un conocido ejemplo es su amplia participación (siendo guitarrista en cinco de las diez canciones) en el disco debut de Joe Cocker With a little help of my friends. Siguió con su trabajo como músico de estudio, así fue cuando después de varios rechazos (en apoyo a su amigo Eric Clapton y también por no arriesgar su salud con las condiciones de hacer tour)  finalmente aceptó el puesto de guitarrista en The Yardbirds. Jimmy constantemente perfeccionando su destreza en la guitarra ya fuera dentro o fuera del escenario. Un claro ejemplo de la dedicación de Page es la evolución de la canción “Dazed and Confused” o su habilidad para incorporar música y ritmos no occidentales como en la mítica canción “Kashmir” (la cual se inspiró en el largo camino casi interminable que Plant y Page tuvieron que recorrer en el sur de Marruecos, originalmente nombrada “Driving  to Kashmir”, aunque la región de Kashmir se encuentra en el norte de India), que después en un tropezón artístico  autorizó a Sean P. Diddy Combs Puff Daddy (o como se llame actualmente) usarla para su atrocidad llamada “Come With Me” de la banda sonora del refrito de Godzilla. Aun los grandes artistas llegan a tener sus resbalones o varias cuentas por pagar.

Heartbreaker, your time has come, can’t take your evil way (“Rompecorazones, tu tiempo ha llegado, no puedo deshacerme de tu maldad”). Temas como el amor, el desamor, la seducción, por supuesto las mujeres, son temas que sobresalen en la música de Led Zeppelin. Siempre en búsqueda cada  de uno de este cuarteto de mejorar sus técnicas personales. Ya sean los riffs extraordinarios de Jimmy en “Whole Lotta Love”. El bajo rimbombante con toques de funk y mucha improvisación de John Paul Jones, y los ecos naturales de Plant en “The Lemon Song”. Claro está no se puede olvidar el oscilante solo de batería “Moby Dick” por parte de John. Estos son algunos de los elementos del segundo álbum de Zeppelin Led Zeppelin II. Después le seguiría el no tan aclamado Led Zeppelin III  que fue criticado y uno de los álbumes menos vendidos de Zeppelin. Este seguía con la tendencia de acoplar ritmos folclóricos en canciones como en “Gallows Pole” grabada treinta años antes por el famoso cantante de folk Lead Belly, también incluyó canciones acústicas que después fueron revaloradas como “That´s the Way” y  «Bron-Y-Aur Stomp».  Este álbum fue más democrático, ya que Page dejó de tomar demasiado la batuta para que los demás aportaran a la grabación. Pero la mayor parte del álbum viene de la inspiración que Page y Plant tuvieron al vacacionar en un hostal llamado Bron-Yr-Aur  en Gales.

There she blows!–there she blows! A hump like a snow-hill! It is Moby Dick! (“¡Ahí resopla ella, ahí resopla ella! ¡Una joroba como una montaña de nieve!! Es Moby Dick”), una frase en la que Melville describe a la feroz ballena blanca, Bonzo se compara con ella en lo imponente y feroz que se vuelve al tocar su solo de batería del mismo nombre que la ballena. Así es John Henry Bonham, también conocido como Bonzo,  un excelente baterista, muchas veces nombrado como el mejor baterista del rock de todos los tiempos. A los cinco años, este profeta de las baquetas armó su primer juego de batería de simples cazuelas y ollas; a los diez años su madre le compró una  tarola; finalmente cinco años después tuvo su primer juego completo de batería.  Un año más tarde formó parte de la que sería su primera banda Terry Webb and the Spiders. Tiempo después John decidió ser baterista de tiempo completo, buscando diferentes grupos para tener un ingreso monetario constante. Por lo que llegó al grupo Crawling King Snakes que tocaba blues, cuyo cantante era el prodigio Robert Plant. Pero en 1967 Bonham cambió de nuevo de grupo, manteniéndose en contacto con Plant. Cuando Plant fue reclutado por Page, este a su vez le  habló a Bonham.  Bonzo tuvo una gran técnica que  fue demostrando al paso del tiempo en los diferentes álbumes de Zeppelin. Ejemplos hay muchos pero su esencial aportación a canciones como “When the Leeve Breaks” o la energía que impone al acompañar el solo de Page en “Achilles Last Stand” del menospreciado  Presence.  Además de tocar la batería con Zeppelin, Bonham tocaba con amistades en otras grabaciones de estudio, como en el Back to the Egg de la banda Wings liderada por Paul McCartney. Posteriormente al tour del 77 en Estados Unidos, la banda se tenía que reunir en el estudio para practicar para el siguiente tour preparado para Europa. En esos días la banda se retiró a practicar a la casa de Page en Windsor. Un taladrante 24 de septiembre de 1980 Bonham decidió complementar su desayuno con shots de vodka antes de ir a ensayar; el día continuó, así como el vodka en la sangre de Bonzo; a la media noche John se quedó dormido, los demás lo llevaron a acostar. Tristemente, a la mañana siguiente Jones y su manager de gira Benji LeFevre lo encontraron ahogado. Fue cremado el 10 de octubre, en su lápida se lee: Cherished memories of a loving husband and father, John Henry Bonham Who died Sept. 25th 1980. aged 32 years. He will always be remembered in our hearts, Goodnight my Love, God Bless. (“Grandes memorias de un querido esposo y padre, John Henry Bonham quien murió en septiembre 25 de 1980. Tenía 32 años. Él siempre será recordado en nuestros corazones. Buenas noches, mi Amor, Dios Te Bendiga.”)

Spent my days with a woman unkind, Smoked my stuff and drank all my wine. (“Pasé mis días con una descortés mujer, Fume mi material y bebí todo mi vino”), es lo que te causa escuchar este álbum completo. Este  álbum parte aguas, el innombrable, porque oficialmente no tiene nombre sino que es identificado con cuatro símbolos   que representan a cada miembro de la banda. El símbolo de Jimmy Page es el más controversial y el más complejo en significado de todos, los símbolos de Jones y Bonham se complementan como el bajo y la batería en la música que a ellos les gustaba y, por último, de Plant es una pluma que representa a una deidad egipcia. Los símbolos no son lo único que hacen sobresalir  este álbum, sino  también sus canciones. Claro está el ejemplo de “Stairway To Heaven” o el mágico himno “Rock And Roll”, la misteriosa y épica “Battle of Evermore”. Esta última es un pequeño tributo que le hizo Robert Plant a J.R.R. Tolkien, específicamente a dos batallas de la obra El Señor de los Anillos (la batalla en los campos de Pelinor y la batalla de Helm´s Deep). También es la única canción del álbum y de todos los discos de Zeppelin que tiene una cantante invitada, la desaparecida Sandy Denny (cantante de folk inglesa). Este álbum ha sido el más vendido de Led Zeppelin con más de veintitrés millones de discos vendidos sólo en Estados Unidos, y cerca de treinta y siete millones alrededor del mundo.

Hear my song- sing along/ A little song that you know (“Está es mi canción- canta conmigo/ Una pequeña canción que tú conoces”).  Eso rondó más de una vez en la cabeza de Robert, mientras cantaba en uno de los múltiples conciertos abarrotados de Led Zeppelin. Plant dejó la escuela a temprana edad, y siguió su rumbo apasionado por la música blues con ídolos como Bukka White (guitarrista y cantante de delta blues). Mientras tanto trabajaba en una compañía constructora en Birmingham, después entró a The Crawling King Snakes un tiempo como cantante. Más tarde gracias a la recomendación de Terry Ried, Page lo contactó con la intención de que fuera su cantante principal. Desde ese momento tuvieron una gran química musical que los llevó a componer el primer álbum de Zeppelin, aunque con una imposición creativa por parte de Page. En los siguientes álbumes tuvo más crédito como escritor, a veces inspirado en mitología escandinava como en canciones del estilo de “No Quarter” e “Imigrant Song” que hablan sobre vikingos, Vallhala y el dios del trueno Thor; Tolkien también sugestionó a Plant lo que se reflejó en “Ramble On”, “Misty Mountain Hop” y la mencionada anteriormente “Battle of Evermore” (el efecto Tolkien en Plant también se ve frecuentemente reflejado en You Tube, donde fanáticos continuamente mezclan estas canciones con extractos de la trilogía del Señor de los Anillos de Peter Jackson). Por último también está el lado blusero de Plant donde también se observan connotaciones sexuales en canciones como “Trampled Under Foot”  y “The Lemon Song”; también inspirado por la cultura oriental en sus viajes que realizó al norte de África  que desembocó en la canción “Kashmir”  y el álbum post-zeppelin No Quarter:Jimmy Page and Robert Plant Unleeded donde mezclan canciones de Led Zeppelin y les dan nuevos ritmos provenientes de Medio Oriente y el Norte de África. 

This is the springtime of my living/ the second season I am to know (Es el tiempo de la primavera en mi vivir/ la segunda estación que estoy por conocer). Zeppelin estaba en su primavera, todavía recogiendo los frutos de lo que sabían que eran, y llegó el provocador Houses of the Holy. Este disco es ya controversial desde su portada, unos niños desnudos en el monte Giant’s Causeway en Irlanda. También cambió un poco el rumbo musical de la banda, mientras Page se alejaba del blues para producir riffs cada vez más intensos, decidieron experimentar un poco con la tonada reggae en “D’yer Mak’er”, asimismo el ritmo más funk de “The Crunge”. Y una canción en homenaje a sus fanáticos, o mejor dicho a su mar de fanáticos que siempre inundaba cualquier lugar en el que tocaran, así los llamaron “The Ocean”. Detrás de este álbum empezó una segunda etapa para Zeppelin, porque se creó Swan Song Records. Esta disquera creada por Led Zeppelin  con su manager Peter Grant al mando, era para producir los mismos productos de Zeppelin así como los de otros grupos que no pudieran acceder a una de las grandes disqueras. Incluso llegó a producir  la hilarante película Monty Phytons and The Holy Grial (1975).  El símbolo de la disquera se basa en la pintura Evening, Fall of Day (1869) de William Rimmer.  La pintura presenta a Apolo apareciendo de la tierra después de una puesta de sol. Comúnmente este logo es confundido con una representación de Ícaro o Lucifer. Apenas diez años después de su fundación la disquera terminó sus operaciones en octubre de 1983 con de la separación de Led Zeppelin y los problemas de salud de Peter Grant.

Walking side by side with death/ the devil mocks their every step (“Caminando al mismo paso que la muerte/ el diablo se burla de cada paso”).  John Baldwin mejor conocido como John Paul Jones (nombre sugerido por una amigo, que lo vio en el cartel de una película francesa del mismo nombre) se burlaba del diablo en diferentes canciones a lo largo de su carrera. Jones comenzó su viaje musical a los seis años aprendiendo a tocar el piano con ayuda de su padre. Sus influencias musicales van desde Charles Mingus hasta Sergei Rachmaninoff. Es el único miembro de Zeppelin en tener una educación musical formal. Como Page fue también músico de estudio y colaboró en muchos álbumes como el conocido Their Satanic Majesties Request de los Rolling Stones, también colaboró con Cat Stevens, Rod Stewart y Jeff Beck, íntimo amigo de Jimmy Page.  Jones siempre ha sido el menos reconocido de los cuatro, pero también fue y es un excelente arreglista. Multifacético músico aportó una manera mística con el sintetizador  en la conocida “No Quarter”, él compuso el notable arreglo del bajo en “What is and What Should Never Be” y también el uso funky de Mellotron  en “Trampled Under Foot”.  Se adueñó de“No Quarter” en las presentaciones en vivo al extenderla a partir de un solo del sintetizador añadiendo partes del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo y algunas piezas de su predilecto Rachmaninoff. Jones llegó a pensar en dejar la banda a causa de los largos y agotadores tours, porque lo alejaban mucho de su familia. Pensó incluso en la posibilidad de abandonar en pleno vuelo el zeppelin para convertirse en el Maestro de Coro de la Catedral de Winchester, pero  Peter Grant le sacó esta peregrina idea.

Is it every time I fall, That I think this is the one (“Es cada vez que me caigo, que pienso que es esta vez”). Cada vez que Led Zeppelin completaba un álbum, era esa vez. Prosiguiendo a Houses of the Holy, llegó el álbum doble repleto de memorables composiciones, Physical Graffiti. Con un total de 15 canciones entre las que  está la más conocida “Kashmir” o “Houses of the Holy” aludiendo al álbum anterior. “Boggie with Stu” que se produjo de una sesión espontánea  en el estudio móvil de los Rolling Stones con Ian Stewart improvisando en los teclados. Para continuar, Zeppelin presentaría el no tan popular Presence, el cual fue grabado con gran dificultad después de un aparatoso accidente de Plant en la isla de Rodhas en Grecia. Pero Robert recuerda que Zeppelin estaba en la cumbre, ya que en el austero hospital en el que se recuperaba, su compañero de cuarto lo reconoció y empezó a cantar “The Ocean” para deleitar al propio Plant. Este álbum fue grabado a una velocidad comparable a la de primer disco, en 17 días ya se había grabado y mezclado. Jimmy comenta que trabajaba de 18 a 20 horas diarias trabajando en la consola hasta quedarse dormido junto al ingeniero de sonido y quien despertara primero de su convalecencia despertaba al otro, comentó Page en una entrevista en 1998. El obelisco que se observa en las imágenes interiores del libreto diseñado por Storm Thorgeson de Hipgnosis, representa la enorme fuerza y presencia de Zeppelin, por lo que no se ideó ningún título especial para el álbum.

There’s a lady who’s sure all that glitters is gold (“Hay una mujer que asegura que todo lo que brilla es oro”). Será que Page Plant y Jones vieron que todo lo que tocaban se convertía en oro, por lo que tocaron un Ipod  y vieron los millones de usuarios que comprarían su música en línea.  Después de años de negarse a digitalizar su música, Jimmy expresó su felicidad en un comunicado de prensa. A partir del pasado 13 de noviembre todo el catálogo de Zeppelin se encuentra en la tienda digital de Itunes, con el añadido de un nuevo disco, Mothership. Este último disco es una recopilación de lo mejor de Zeppelin. Un álbum doble que incluye los clásicos como “Stairway to Heaven”, “Black Dog”  y “Kashmir” por nombrar algunos, pero también incluye canciones que antes no habían sido tan promocionadas como “D´Yer Maker” o “Ramble On”. Por supuesto, el álbum ha sido remasterizado por su habitual productor el mismísimo Jimmy Page. Las canciones fueron elegidas por Page, Jones y Plant. De la misma manera que lanza Mothership rematerizaron The Song Remains the Same en el furor del concierto. A este álbum, que es la banda sonora de la película con el mismo nombre le añadieron cinco canciones que no estaban en la edición original de 1976. También el Led Zeppelin DVD  es promocionado de nuevo, aunque sin ninguna mejora aunque con el constante atractivo de ofrecer más de cinco horas ininterrumpidas de algunas de las mejores presentaciones de John, Paul, Robert y Jimmy.

  Then as it was, then again it will be (“Así como fue, será así de nuevo”). Rodolfo el Che Bañuelos (crítico musical y locutor tapatío de radio) explica que hay música que envejece, pero también hay música que sigue sonando fresca, complementando la línea de Page y Plant en su canción “Ten Years Gone”. Led Zeppelin prepara un concierto que pasará a la historia: como un excelente concierto broche de oro por parte de Zeppelin, o una reunión más en la que este grupo no pudo remontarse a sus días de gloria. Las expectativas que se acumulan por este concierto no faltan. Las preguntas se agolpan en las mentes de los fans: ¿Habrá un nuevo álbum o mínimo una nueva canción? ¿Si el concierto resulta exitoso y supera las expectativas, habrá un tour? Tanto Plant, como Page y Jones han negado la posibilidad de un tour, alegando que este concierto es único y su objetivo es conmemorar a Ahmet Ertegün solamente. Pero podemos elevar nuestros sueños con helio hasta que sean oficialmente negados estos rumores el día del concierto. Si nos niegan el tour y nuevas canciones  que por lo menos nos regalen (aunque debamos pagar muchas libras) un dvd del concierto.

I soar of don´t thrust anybody who doesn´t like Led Zeppelin (“Francamente yo no puedo confiar en nadie al que no le guste Led Zeppelin”.) Así es como Jack White (cantante y guitarrista de los White Stripes) artista que está teniendo fama y renombre a nivel mundial como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos. El comprueba que la música sigue siendo contemporánea, la gente sigue temblando.